Feminis-Arte IV: La necesidad de lo femenino y del arte.

En Centro Centro Cibeles. Del 11 de marzo al 5 de mayo de 2016.

La música melódica de Jo Staffor, que misteriosa, inunda el espacio de Centro Centro Cibeles a la entrada de la exposición Feminis-Arte IV, pronto te envuelve y te hace sentir el dolor de la memoria colectiva de la mujer y el peso injusto de la historia de género.

Frente a “Se busca”, la pieza de Ambra Polidori, que denuncia las violaciones y asesinatos de niñas y cuya violencia ha quedado impune, ya sabes que lo que vendrá después dolerá, y que junto a la rabia por la opresión hacia el género femenino, vendrá la calma, la quietud y la esperanza.

“Se busca”, pieza de Ambra Polidori.

El arte, se convierte así, en el canal para expresar siglos de represión, pero también en un lugar de encuentro y reivindicación. Esta muestra colectiva internacional de mujeres artistas, ofrece numerosas visiones y discursos sobre lo femenino, sobre la desestructuración de la identidad de la mujer como única, fija e inmóvil, haciéndolo algunas de ellas desde posiciones claramente feministas.

La exposición, comisariada por Margarita Aizpuru, y que estará activa hasta el 15 de mayo, incluye tanto a artistas españolas como extranjeras, cuyas obras se enmarcan dentro de las últimas tendencias estéticas.

Siete bloques guían la exposición, a través de un discurso común que interrelaciona mujer, género y prácticas artísticas: Cuerpo, poder y violencia de género; Revisitaciones culturales y género; Estereotipos e identidad femenina; Deconstrucciones paródicas de “lo femenino”; Narrativas corporales; Identidades múltiples y Memoria y afecto.

La muestra presenta el trabajo de 18 mujeres artistas de 7 países diferentes: las españolas Marisa González, Amalia Ortega, María Cañas, Marina Núñez, Marina Rodríguez Vargas, Cristina Mejías, Mara León, Paloma Navares, La Ribot, Mar García Ranedo y Carmela García; así como trabajos de Beth Moyses (Brasil), Ambra Polidori (México), Teresa Serrano(México), Natalia Granada (Colombia), Anna Jonsson (Suecia), Teresa Ribuffo (Italia), Maria José Argenzio (Ecuador).

Una vez te adentras en la muestra, I was born to glory in your Kiss, forever yours, es la letra que se escucha y cuya melodía acompaña a la instalación “Donde muere el ardor”, de la artista Natalia Granada.

“Donde muere el ardor”, de la artista Natalia Granada.

No other love, de la cantante Jo Staffor, es la canción que la artista esconde dentro de un cofre, que resuena cual cajita de música y que envuelve todo el conjunto. Los ecos de la cantante, que llora un “Por siempre tuya”, se mezclan con sendos vestidos de novia, conectados entre si y que parecen haber sido vomitados por aquel cofre. Una obra que esconde la metáfora de la inocencia perdida, de los sueños que se evaporan, de las frustraciones a las que las mujeres se enfrentan por la distorsión del amor que les ha sido transmitido, propio de los roles impuestos por el patriarcado y el choque que se produce contra la dura realidad.

La pieza se completa con el resto de obras que componen la instalación, como en su autorretrato de ojos tachados, con el que crítica la cosificación sexual femenina, que vacía de significado a la mujer y que solo ve cuerpos y belleza como valores a resaltar.

No deje indiferente el rostro femenino enjaulado que acompaña al lienzo, donde en una composición casi onírica, los pájaros emergen de las cuencas de los ojos y la boca y donde la imagen de un sexo femenino queda enmarcado como símbolo de veneración (casi religiosa) masculina y de pérdida al mismo tiempo de la identidad de la mujer.

Detalle de la instalación “Donde reside el ardor”, de Natalia Granada.

La obra de Cristina Mejías, cargada de una ternura que logra equilibrar la muestra, nos habla de la esperanza del matriarcado, de la necesaria unión y apoyo entre las diferentes generaciones de mujeres para lograr un cambio que conduzca a la igualdad.

Unas manos jóvenes, las de la propia artista, entrelazadas con las de su abuela, a la que ayuda a dibujar sus recuerdos, es la pieza fotográfica que nos deja Cristina Mejías. Unos dibujos geométricos son el resultado de esa unión, que se expone en diferentes piezas, creando un idioma propio, casi jeroglífico. Esta sucesión geométrica alude a los antiguos bordados realizados por niñas y jóvenes, como crítica a la educación identitaria femenina impuesta a las mujeres.

Cristina Mejías. Detalle de su obra.

Sugerente, casi sensual, es la obra de Paloma Navares, que logra a través de diversas piezas mostrar la variada dimensión femenina en diferentes culturas.

Su instalación “Flores a Ruanda” además de mostrar una explosión estéticamente bella, deja encerrada en una especie de cascada flotante de amapolas, la denuncia a las mujeres asesinadas y violadas en ese país. Microdibujos escondidos en sus pétalos homenajean y cuentan la dura historia de la mujer, que contrarresta con el suave balanceo de estos pétalos con el viento.

“Flores a Ruanda”. Paloma Navares.

Detalle de “Flores a Ruanda”.

La necesaria inclusión del bloque “Deconstrucciones paródicas de lo femenino”, sin quitarle ni un ápice de hierro al asunto, introduce la ironía y el humor en la crítica a la situación de la mujer.

Aquí, artistas como Anna Jonsson, aportan un lenguaje relajado e informal en sus obras, muy asequible y cercano, creando un espacio para la reflexión y la crítica, donde también cabe la permisión de reírse sobre uno mismo, como arma de destrucción de todo aquello que quiere asolar el mundo femenino.

Anna Jonsson. “Con dos huevos”.

En ese mismo tono aparecen las obras de María Cañas y sus “Monstruos de la copla”. Aquí la sátira es la protagonista y la directora que orquesta que busca la crítica hacia los roles que se presuponen a las folclóricas y por extensión a la mujer, una crítica a todo lo arraigado y a la tradición, injustamente entendida. A través de la parodia, ayuda a deconstruir la idea de las identidades únicas que se le han impuesto a la mujer.

Todas y cada una de las obras que aparecen en la muestran hablan del universo de lo femenino. Todas ellas diferentes, con el acento puesto en la construcción de un universo nuevo y en la crítica de lo viejo, en la necesidad de la revisión de las antiguas ideas erróneas y en donde el arte es el eje vertebrador. Necesaria la muestra. Necesarias las artistas, la temática, la mujer.

Tema “No other love” que acompaña a la obra “Donde muere el ardor“, de Natalia Granada.

Angélica Millán Escribano

The Fine Art Collective