Hemos tenido la oportunidad de charlar y acercarnos al universo de la pintora Elena Rato, quien resultó ganadora de un premio especial de la marca de pintura acrílica Liquitex, de entre todos los artistas expuestos en la pasada edición de la Feria Internacional Art Madrid. Conoce a esta artista cuya obra nos encanta:

Elena, cuéntanos ¿cómo comienza tu “andadura” en la pintura?

Comencé pintando a los 12 años, recibiendo clases en una academia de pintura donde aprendía la técnica al óleo. Copiaba a clásicos como Degas o Rembrandt, me interesaba sobre manera la figura humana y el retrato, además, por aquel entonces también practicaba ballet y cualquier lámina de bailarinas que pasara por mis manos era una excelente excusa para pintar.

¿Actualmente, en qué estilo pictórico situarías tu trabajo, y cuál ha sido tu recorrido hasta él?

Una de mis líneas de trabajo es la que se centra en la denominada “pintura expandida”,  me gusta denominarla instalación pictórica porqués pintura que establece diálogos con el espacio que la acoge y también el de unas piezas con otras, trabajando siempre como conjunto, y al mismo tiempo que las obras funcionen de manera individual.

En un principio, sobre todo en los años de formación, solía pintar de manera gestual y expresiva, con los años ésta gestualidad se fue tornando contención y abordando el hecho pictórico de manera más pautada y meditada.

Tus pinturas suelen “salirse del marco”, ¿qué quieres expresas con este elemento distintivo de tu obra?

La expansión de la pintura rompiendo el marco se convirtió, en un determinado momento, en necesidad imperiosa. Como decía anteriormente, me interesaba establecer relaciones espaciales y vincular unas obras con otras y la forma que encontré fueron “las marañas”. Son elementos plásticos que aparecieron en el 2005 y desde entonces han sido protagonistas en mi obra, primero como grafías sutiles y cada vez ocupando una mayor parte en las composiciones, tanto dentro como fuera del lienzo.

Elena, recientemente la marca de pintura acrílica Liquitex y la feria Art Madrid decidían concederte un premio en material valorado en 1.500€, ¿qué supone este reconocimiento para ti?

Me ha hecho muchísima ilusión, no lo esperaba para nada. Viendo no sólo la cantidad sino la calidad de las obras participantes en la feria, resulta un gran alago que el jurado me haya considerado merecedora de este premio.

¿Conocías la marca? ¿Qué destacarías de ella?

Sí, por supuesto. Destacaría la calidad de los productos, pero sobre todo la fiabilidad del color, sin variaciones de matiz en el secado, algo que ayuda muchísimo en los procesos pictóricos.

¿Cómo ha sido tu experiencia exponiendo en Art Madrid?

Es el segundo año en el que estoy participando de la mano de mi galería asturiana Arancha Osoro, su apuesta destaca por su riesgo y tenacidad, tiene mucho mérito. Por otro lado el espacio que acoge la feria es un lujo, los techos acristalados, la ubicación, la visibilidad que este gran evento… entusiasmada de haber vuelto a participar.

¿Cuáles son tus colores imprescindibles?

Llevo años centrando mis composiciones en amarillos y rosas, intercalados con el negro de las marañas, que se sitúa sobre los neutros del lienzo en crudo. En un principio me interesó pintar en escala de grises, supongo que de manera intuitiva reduje la gama cromática para poder centrarme en la composición. Ahora le doy muchísima importancia a estos colores, que son “marca de la casa” y protagonizan series como Yellow Choice o Rosa sobre negro.

¿Cuáles son tus técnicas favoritas? Y ¿tus formatos?

Desde mis inicios he trabajado los bocetos mediante la técnica del collage manual y en los últimos años con herramientas digitales. Me gusta hibridar los lenguajes tradicionales con las nuevas tecnologías, para mí siempre es un camino de ida y vuelta. Me gusta decir que desarrollo una obra metapictórica y autorreferencial, en primer lugar porque me interesa hablar de la pintura desde ella misma,  sus procesos, sus limitaciones, etc. Autorreferencial en el sentido en el que las diferentes series que he ido desarrollando se han ido depositando como capas de pintura, en un primer momento trataba de separarlas, pero se han ido permeando de manera natural, hasta mezclarse y formar un sustrato compositivo que da lugar a mi pintura actual.

En cuanto a los formatos, diría que hasta hace escasamente año y medio trabajaba principalmente en lienzos de medio o gran formato, puesto que el pincel o la brocha ya te dan esa escala y me encontraba más cómoda en lienzos de grandes dimensiones. Pero paradójicamente fue cuando me mudé a un estudio más grande cuando empecé a pintar con formatos más pequeños, ha sido un gran descubrimiento y cada vez me siento más cómoda trabajando así.

¿Cuál es tu principal fuente de inspiración?

Cuando uno se dedica a la creación y se siente creativo en todas las facetas de su vida, cualquier cosa puede ser inspiradora. Una conversación, una canción, una noticia…

Por ejemplo, cuando viajo a ciudades como Madrid siempre me fijo en las paredes llenas de carteles publicitarios rasgados, una de mis series Pinturas encontradas, se nutre de estos felices hallazgos, fotografiando o arrancando fragmentos de estos papeles. Como se suele decir, la inspiración no sólo debe encontrarte trabajando, sino que debe pillarte alerta y en conexión con tu universo. Recuerdo que cuando estaba estudiando Bellas Artes pensaba en cómo sería la sensación de quedar sin ideas, si algún día me pasaría… pero no se ha dado el caso, lo que me pasa es que no tengo tiempo para desarrollar todas las ideas que me surgen.

¿Qué artista clásico te gusta más?

¡Qué difícil! no podría elegir sólo un clásico, mi elección sería una mezcla, picando un poco de aquí y de allá… empezaría con Velázquez, por supuesto; con la pintura tenebrosa de Caravaggio, seguiría -no cronológicamente, sino según me van viniendo imágenes a la mente- con el imaginario y los cromatismos rosados del Bosco; Las composiciones y los colores planos de Toulouse Lautrec, la pincelada y el colorido rabioso de los fauvistas, las geometrías de Sonia Delaunay…

Y si se puede considerar clásico a un coetáneo, para mí ya lo es, mencionaría la pintura de Luís Gordillo.

¿Y del panorama actual, qué artistas destacarías?

Me entusiasma la obra de Ángela de la Cruz y cómo desde la pintura ha desarrollado una obra fronteriza, deconstruida de manera audaz, rompiendo literalmente el soporte bidimensional.

¿Qué aporta el arte en tu vida?

Para mí es algo cotidiano, el arte está en mi día a día y no concibo una vida sin arte. No es sólo mi medio de expresión, ¡es alimento para el alma!

¿Cómo es un día en tu vida?

Actualmente compagino la creación con la docencia en la enseñanza pública, por lo que las mañanas estoy en contacto con el alumnado de secundaria en las clases de Educación Plástica Visual y Audiovisual y por las tardes y los fines de semana me encierro en el estudio para pintar. En general trabajo a buen ritmo, soy una persona muy activa, a veces pienso que en exceso, porque quiero aprovechar todas las horas posibles.

¿Cuáles son los productos con los que trabajas actualmente?

Como decía anteriormente realizo los procesos previos mediante herramientas digitales con programas de retoque fotográfico y dibujo vectorial. Después, éstos bocetos se bifurcan en dos caminos, el manual que realizo con pintura acrílica sobre el lienzo, y el de la máquina o plotter de corte, que traza los vectores dibujados por ordenador, que después conectarán con la pintura para expandirse por el espacio expositivo.

¿Cuáles son tus próximos proyectos?

El 2020 ha empezado de manera inmejorable ya está completo, cerraré el año con 2 proyectos fuera de España, en octubre y diciembre, pero no puedo adelantar detalles.

¿Tienes algún consejo para nuestros seguidores?

Si se dedican a la creación, les diría que se escuchen y sigan su instinto, que se expresen libremente sin dejarse condicionar.

Si son amantes del arte, les diría que contagien este amor al máximo de personas posible, porque… simplemente les hará más felices.

¡Gracias!

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