Amarillo y rojo de cadmio y su uso en grandes obras de arte

Amarillo y rojo de cadmio y su uso en grandes obras de arte
8th julio 2019

Hay tres colores primarios: rojo, amarillo y azul. El rojo es el primario más cálido de los tres y el azul es el más frío. De estos tres primarios, se pueden obtener todos los demás colores mezclando. Estos colores mezclados se llaman colores secundarios y terciarios.

Los colores para pintura en bellas artes están hechos de pigmento y estos pigmentos se dividen en dos grupos principales: cálido y fríos. Los colores cálidos tienen una mayor proporción de rojo en ellos, y los colores fríos tienen una mayor proporción de azul en ellos.

Tanto el rojo de cadmio como el amarillo de cadmio están en la categoría cálida y son pigmentos particularmente opacos y poderosamente saturados.

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Comparar y contrastar diferentes rojos y amarillos es una buena manera de observar las diferencias y proporcionar una definición de los diversos atributos ópticos.

Se puede observar una comparación entre el rojo de cadmio "cálido" y el carmesí alizarina "frío". Es como la diferencia entre un tomate maduro y una cereza. El rojo de cadmio tiene más rojo y, por lo tanto, es más cálido que el carmesí alizarina, que contiene más azul, lo que le da un tinte violáceo.

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De manera similar, el amarillo de cadmio es un amarillo cálido porque contiene más rojo, y el amarillo limón es más frío porque contiene una mayor proporción de azul, lo que produce un tinte verdoso. Una comparación diaria observable aquí sería la diferencia entre una yema de huevo con su tinte naranja y una fruta de limón recién cortada con su tinte verdoso.

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Desde una perspectiva química elemental, el cadmio es un mineral de zinc, y el cadmio metálico no se descubrió hasta 1817. El pigmento amarillo se descubrió primero. Fue creado mediante la producción de sulfuro de cadmio (amarillo de cadmio). El rojo de cadmio se descubrió más tarde al calentar el sulfuro de cadmio en combinación con selenio, cuanto más alta es la temperatura, más oscuro es el rojo.

Las propiedades de su química hacen que el rojo y amarillo de cadmio sean los rojos y amarillos más densos y opacos, con excelentes propiedades de cobertura, lo que significa que esta pintura cubre el color que se encuentra debajo. Son resistentes a la luz y exhiben una permanencia excelente y se clasifican como "absolutamente permanentes". La excepción a estas propiedades es para uso exterior en murales.

Debido al descubrimiento relativamente tardío de estos pigmentos, no se encuentran en las pinturas de los “grandes maestros” de la pintura.

Su influencia en la pintura del siglo XIX y particularmente en el desarrollo del impresionismo y el modernismo de principios del siglo XX es innegable. Es el brillo y la opacidad de estos dos colores primarios y el éxito con el que se puede pintar por encima de otras pinturas lo que abrió las puertas a nuevas técnicas pictóricas y nuevas visiones creativas a finales del siglo XIX y principios del XX.

Las innovaciones en la pintura al aire libre – la grabación de los efectos de luz transitorios pintados directa y espontáneamente al aire libre en el paisaje, y las composiciones saturadas de colores planos del Modernismo y la Abstracción son sinónimos y, posiblemente, facilitados por la llegada de estos dos pigmentos.

El claroscuro tradicional, el equilibrio de la luz y la sombra en una imagen y el manejo de las sombras tonales junto con la perspectiva, dan paso a la pura yuxtaposición del color. Aplicados directamente desde el tubo en composiciones donde el fondo y el primer plano son igualmente significativos, los impresionistas explotan la opacidad y el brillo de los pigmentos de cadmio. La atención se aleja del claroscuro. Lo que se convierte en una prioridad es descubrir lo que la pintura de color intenso puede hacer, al aire libre, sobre un lienzo plano, bajo el cálido sol.

Hasta ese momento los pintores siempre habían trabajado en interiores. Las sombras aún existen en el impresionismo, pero están hechas con color puro. La opacidad y la pigmentación intensamente saturada en los cadmios es perfecta para el estilo plano de "confrontación" tanto del impresionismo como de la abstracción modernista.

Ejemplos notables de cómo las cualidades del rojo de cadmio se han usado con gran efecto en la evolución hacia el Modernismo se pueden ver en "Amapolas" de Claude Monet de 1873, y "Estudio Rojo" de Henri Matisse, 1911. El amarillo de cadmio que se usa con gran eficacia en la abstracción se puede ver en " Composition with Blue and Yellow’" de Piet Mondrian de 1932, y en "Black Over Yellow" de 2015. Analizamos estas obras a continuación:

“Amapolas”, 1873, Monet

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En “Amapolas” de 1873, solo una cuarta parte del lienzo de Monet en la parte inferior izquierda está pintada con amapolas, pero dominan el lienzo por completo y cautivan la mirada. Las amapolas llaman la atención con su color intenso. Vale la pena señalar que están pintadas dentro de la hierba. El verde es complementario del rojo en la rueda de colores, y por lo tanto intensifica aún más la vitalidad de las amapolas. Casi vibran en la superficie del lienzo. En cualquier catálogo botánico de ilustraciones florales, estas "amapolas" serían completamente irreconocibles. Las amapolas son flores silvestres. El impresionismo también se mostró grosero y salvaje para el público orientado al salón de arte de la época. En este cuadro existen como manchas y toques de rojo. Esta sección del lienzo, cuando está aislada de la figuración más descriptiva del resto del lienzo, es virtualmente abstracta.

“Estudio Rojo”, 1911, de Henri Matisse

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"The Red Studio", 1911, Henri Matisse, óleo sobre lienzo, 1,62 m x 2,19 m. Fuente de la imagen: henrimatisse.org

“Estudio Rojo”, 1911, de Henri Matisse, es un cuadro enorme para su época, mide 162 x 219 cms. Esto no es pintura de caballete. Una pintura a esa escala a lo largo de la historia, normalmente habría sido encargada por la iglesia u otros patrocinadores adinerados. Historias importantes ilustradas de la Biblia, vastos paisajes de antigüedad clásica o de la mitología, batallas en tierra y mar por encargo de duques y príncipes victoriosos, retratos de los terratenientes ricos y sus propiedades, etc. serían temas propios para estas escalas. Al pintar su lugar de trabajo de tamaño modesto, su estudio, Matisse está siendo muy poco convencional y confrontativo.

Al convertir el tema de la pintura en su lugar de trabajo, coloca al artista y su actividad en el centro de lo que cree que debería ser significativo en el arte: el acto de pintar y el color. Es una obra desafiante a la pintura histórica y la influencia de los patrones que la encargaron porque afirma la creencia de que el arte debe ser independiente del tema elegido por los usuarios.

"Estudio rojo", muestra pinturas terminadas y sin terminar colgadas y apoyadas contra la pared de su estudio. Hay un fragmento vacío. Hay una mesa con un arreglo de naturaleza muerta. Una cómoda, una silla, un reloj de pie y esculturas. Los objetos y artefactos en este interior no se han configurado como uno podría esperar ver en una naturaleza muerta, aunque haya una en la pintura. Todo se ve bastante "desordenado", como si Matisse acabara de entrar una mañana y decidiera pintar el estudio tal cual lo encontró. Como muchos estudios, todo está un poco desordenado.

Lo que es sorprendente y, de nuevo, poco convencional, es el fondo. Lo menos interesante, las paredes y el piso del estudio de un artista, son enteras rojo cadmio. Se modifica la tradición de que una pintura es una ventana a la ilusión de otro mundo. Las tres dimensiones de su estudio se han aplanado en todo el diseño. Se enfatiza el plano de la superficie del lienzo, no las tres dimensiones del interior del estudio. Todos los elementos dispares se unen en una extensión de rojo que cubre todo el enorme lienzo hasta sus cuatro bordes. La grabación de la luz en una habitación se ha abandonado en favor de una superficie roja saturada. Envuelve al espectador en un campo de color brillante, no un campo de amapolas, sino un campo enorme de rojo de cadmio puro.

Es difícil no ver esta pintura como un precursor e inspiración de las obras a gran escala de pintura y abstracción de campos de color formuladas por la Escuela de Nueva York en la década de 1950.

"Composition with Blue and Yellow", 1932, de Piet Mondrian

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"Composition with Blue and Yellow", Piet Mondrian, 1932, óleo sobre lienzo, 41.6 x 33.3 cm" Fuente de la imagen: philamuseum.org.

"Composition with Blue and Yellow", 1932, de Piet Mondrian, es una pintura en la que se han eliminado la tridimensionalidad, la representación y las líneas curvas. En el momento de su evolución hacia un pintor abstracto, a Mondrian le disgustaba particularmente el color verde, porque representaba a la naturaleza. Mondrian estaba luchando por un arte que trascendiera el mundo natural observable, no hay líneas rectas en la naturaleza.

Las pinturas de su estilo maduro, que denominó "neoplasticismo", se pintaron exclusivamente en los colores primarios rojo, amarillo y azul, sobre un fondo de blanco, y entre líneas negras horizontales y verticales. Eligió una paleta reducida y los "neutros" de blanco y negro para lograr una pureza absoluta en el arte. El rojo, el amarillo y el azul no se pueden producir mezclando ningún otro color; así que en la mente de Mondrian son puros.

En un ensayo sobre neoplasticismo, escribió: "Como una representación de la mente humana…….esta nueva idea plástica ignorará los detalles de la apariencia, es decir, la forma natural y el color……se debería encontrar la expresión en la abstracción de la forma y el color …………en la línea recta y el color primario claramente definido».

Es significativo que sus trabajos de este período rara vez se titulen, a excepción de lo que son literalmente, una composición hecha con colores primarios. Se reducen a lo que realmente es la esencia de la pintura, pintura sobre lienzo. Incluso los títulos se vuelven irrelevantes. No son pinturas narrativas con una historia de fondo y no encarnan ni intentan proyectar un significado simbólico, por lo que persistir con los títulos sería engañoso, incluso inútil. No son un símbolo de otra cosa, tienen una presencia propia, con su propio lenguaje visual distinto. "Composición con azul y amarillo"que sería la traducción al español, de 1932, no es una vista serena de un lago perfectamente sereno al atardecer. Pero este lienzo en sí es perfectamente sereno. Produce un efecto calmante en el espectador y ralentiza uno en la mirada. Sus obras se comunican utilizando un lenguaje visual universal de línea recta y color primario. Aunque las pinturas están hechas por Mondrian, no son sobre él. El color pintado se establece como una capa plana sin el trazo de pincel, "firma" habitual de un individuo. Esto se suma a su universalidad.

"Black Over Yellow", 2015, Ellsworth Kelly

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"Black over Yellow", Ellsworth Kelly, 2015, óleo sobre lienzo, dos paneles unidos, 90 x 70" Fuente de la imagen: news.artnet.com.

En "Black Over Yellow" pintada en 2015 por Ellsworth Kelly, se lleva el concepto de “no representación” a su límite. La atención de un espectador se dirige exclusivamente a la contemplación del color y la forma concreta. La "calidad del objeto" de la pintura (en oposición a su capacidad de ilusionismo y perspectiva) recibe una prioridad absoluta.

Una forma en que Kelly logra esto es separarse del formato rectangular de la mayoría de los lienzos. Convencionalmente, los lienzos son rectángulos para mejorar la idea de una vista a través de una ventana (la escena pintada por el artista). Al hacer dos lienzos distintos de diferentes tamaños en "Black Over Yellow " (“Negro sobre amarillo”), y al unirlos entre sí, se evita el efecto ventana y la pintura tiene una calidad casi escultural / física. El "plasticismo" que Mondrian preveía está completamente realizado.

Al negro se le da fisicalidad por encima de la luz amarilla. En términos de ciencia física, el negro no es un color porque absorbe toda la luz del espectro de colores y no refleja nada al ojo. Kelly está colocando el negro sobre el amarillo apilando así un vacío sobre la luz. La pieza se instala de manera que queda a 5cms de la pared en la parte posterior lo que afirma su calidad de objeto y los hace parecer flotar.
En su enfoque reductivo (no hay líneas dibujadas) y el rechazo del rectángulo simple, sus obras son un desafío fundamental para la pintura representativa. Sin embargo, "Black Over Yellow", encarna una esencia de lo sublime que inspiró a los artistas románticos del siglo XIX.

"Black Over Yellow", 2015 se pintó en el año de la muerte de Ellsworth Kelly a la edad de 92 años.

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